lixo, Violência e Versace: mas é arte?

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os ingleses não estão, em geral, interessados em arte moderna ou mesmo Arte de qualquer descrição. Eles não podem distinguir um construtivista de um expressionista abstrato e se contentam em permanecer em sua ignorância. Portanto, é surpreendente que, durante várias semanas neste outono, uma exposição de arte britânica moderna na Royal Academy of Art em Londres, chamada “Sensation”, deveria ter capturado sua atenção e se tornado o ponto de discussão do dia.

a exposição incorporou plenamente essa característica quintessencial da cultura britânica moderna: extrema vulgaridade. Sua celebração desta qualidade ajudou a “Sensação” quebrar todos os recordes de participação numa exposição de arte moderna, em Londres, com filas para entrar em alongamento de todo o bloco, enquanto uma milha de distância, na National Portrait Gallery, uma exposição de Sir Henry Raeburn requintados de retratos, elegante e psicologicamente profundo, foi quase autônoma—uma perfeita simbólico de emenda de nosso desejo para alijar o nosso passado em favor de nossos bravos e ociosos novo presente. Sr. Blair-ele da re—branding da Grã-Bretanha-deve ter se orgulhoso de nós.

Como os Marxistas diziam em seus dias de respeitabilidade, não foi por acaso que a “Sensação” exposição foi uma selecção de obras pertencentes a publicidade, o magnata Charles Saatchi, ou que um magnata da publicidade deve ser de longe o mais openhanded patrono da moderna arte Britânica. Em uma entrevista no Daily Telegraph, Sr. Saatchi disse que, como publicitário, ele foi atraído por impactos visuais imediatos e pensou que seu gosto atrairia uma geração de jovens britânicos que foram criados em anúncios. Bem assim: mas o que eu tomei como uma confissão de superficialidade profunda (se me for permitido uma expressão aparentemente paradoxal), ele tomou para ser um elogio. Todos nós fazemos Deus à nossa imagem.

a exposição atraiu controvérsia sem precedentes em casa e ampla publicidade no exterior. Câmeras de televisão de todo o mundo giraram na pré-visualização da imprensa. Quanto à imprensa britânica, dividiu-se em dois campos, o alegre e o enojado. O acampamento animado-composto pelos autodenominados guardiões da liberdade de expressão e licença artística—exultou que, finalmente, a Grã-Bretanha, há tanto tempo um remanso provincial, era agora o mainstream da inovação artística. Jovens artistas britânicos estavam na vanguarda, lutando bravamente contra as forças da reação artística: embora ninguém especificasse o destino preciso do Exército artístico cujo avanço eles supostamente lideravam. O repugnante campo de imprensa, ao contrário, lamentou isso ainda mais, quase definitivo, degradação do gosto. Não existe publicidade ruim, no entanto; na verdade, em uma era de perversidade, a publicidade ruim não é ruim—é o melhor. “Imundo”, “nojento”, “pornográfico”, “sórdido”, “pervertido”, “vicioso”: nenhuma palavra poderia ter sido melhor calculada para atrair os britânicos para a Royal Academy.

grande parte da controvérsia original cercou um retrato de Myra Hindley. Deveria ter sido mostrado em público ou não?

o nome Myra Hindley ainda desperta as paixões mais profundas da Grã-Bretanha. Em 1965, ela recebeu uma sentença de prisão perpétua pelo assassinato de várias crianças pequenas, que, em conjunto com seu amante, Ian Brady, ela torturou até a morte em busca de um absurdo ritual “pagão” que Brady sonhava. Eles os mataram em Manchester e os enterraram nos Mouros de Yorkshire.

uma gravação de fita que eles fizeram enquanto torturavam uma de suas jovens vítimas foi tocada no tribunal e parecia inaugurar uma nova era de brutalidade Britânica. George Orwell já havia lamentou o declínio do inglês assassinato, é claro, de sua Vitoriana auge de arsênico e estricnina, quando parecia possuir um certo Bizantino elegância, mas isso não era algo novo, uma linha de falha na cultura que se abriu para revelar um abismo. Aqui, pela primeira vez, houve múltiplos assassinatos como auto-expressão, como auto-indulgência, como recreação.

desde sua convicção, Myra Hindley dividiu a opinião Britânica em um pequeno campo liberal, que pede regularmente sua libertação, e um grande conservador, pedindo seu encarceramento perpétuo (ao contrário de Hindley, Brady nunca exigiu libertação). Os liberais dizem que ela era jovem na época de suas ofensas, ainda não tinha 20 anos, que estava em apuros psicológicos para seu amante, que desde então se arrependeu de seus crimes e que não constitui mais perigo para as crianças. Os conservadores dizem que todo mundo conhece muito bem antes de 20 anos de idade, que torturar crianças para a morte é errado; que Hindley cometido seus crimes ao longo de um período de dois anos, de modo que eles se origina de nenhuma corrida repentina de sangue para a cabeça; que, ao fazer isso ela colocar-se além do limite normal da sociedade humana de uma vez por todas; e que seu arrependimento era, e é, falso, na medida em que ela falha por mais de 20 anos para admitir que ela sabia alguma coisa sobre o desaparecimento de outros dois filhos, de Manchester, cujos corpos não foram encontrados, mas de cujos assassinatos ela e Brady foram certamente culpado.

a foto da polícia tirada no momento de sua prisão tornou-se uma das imagens fotográficas mais instantaneamente reconhecíveis na Grã-Bretanha. Nenhum jornal do país o reproduziu inúmeras vezes. Ela aparece sem idade como uma loira de queixo quadrado e peroxida, olhando sem emoção para a câmera, a personificação do mal sem coração. É esta imagem que um artista chamado Marcus Harvey escolheu para ampliar a proporções gigantescas, de 13 de pés por 10 (e Charles Saatchi escolheu para comprar), o artista compondo a insultar—nos olhos da imagem detratores—usando a palma da mão do filho pequeno no lugar dos pontos pelos quais a fotografia é construída em jornal de reproduções.

o impacto da imagem é enorme, especialmente naqueles que reconhecem Hindley instantaneamente, como 99 por cento da população britânica faz. Nos primeiros dias de sua exposição, um espectador jogou tinta nela, após o que foi removida, limpa e devolvida com uma folha transparente protetora antes dela. (Naturalmente, a fraternidade artística tomou o ataque como uma homenagem ao poder da arte: pois ninguém ataca o que não tem importância para ele. Fora da entrada da Academia, pela estátua de seu grande e civilizado primeiro presidente, Sir Joshua Reynolds, mães de crianças assassinadas, incluindo algumas Myra Hindley assassinadas, implorou ao público que não entrasse. Membros da MAMAA (Mothers Against Murder and Aggression), uma organização que as mães fundaram, entregaram um sincero apelo fotocopiado da mãe de uma das Crianças Desaparecidas Com cujo assassinato nem Hindley nem Brady foram acusados, embora quase certamente fossem culpados disso.

“eu e os pais das outras vítimas”, diz, “tivemos que viver por mais de trinta anos sabendo que nossos filhos morreram uma morte terrível nas mãos daquele par maligno. Hindley deve ter seu caso ouvido no Tribunal de Direitos Humanos. E os nossos direitos? Não existe uma vida normal depois que seu filho foi assassinado. Também vivemos uma sentença de prisão perpétua, mas não há apelo ou alívio para nós, nosso sofrimento continua e só piora toda vez que algo assim surge. Somos as vítimas esquecidas. Hindley nunca foi acusado do assassinato do meu Keith . . . . Eu gostaria de fazer uma acusação privada, mas não posso pagar e não posso obter assistência jurídica. Ainda não sei onde está meu filho e tudo o que quero é tê-lo em casa e dar-lhe um enterro decente.”

As matérias sinceridade do presente recurso gritos para o céu, está em contraste marcante com a simpering prosa da academia de catálogo e comunicados de imprensa, o que falar, entre outras coisas, de exposição de artistas preocupação sobre o injusto sistema de classes Britânico e de suas profundas condolências para e com a classe trabalhadora. Mas os únicos membros da classe trabalhadora a visitar ou a expressar uma opinião sobre a exposição foram precisamente as mães contra o assassinato e a agressão, que pediram inequivocamente a destruição da pintura e o fechamento de todo o show. Escusado será dizer que os artistas simpatizavam não com as classes trabalhadoras reais, mas com sua própria ideia das classes trabalhadoras, mas como Maria Antonieta desejava viver não como uma verdadeira Pastora, mas como sua concepção romantizada de pastora.

o membro da MAMAA a quem falei disse que Marcus Harvey nunca teria pintado Myra Hindley se ela não tivesse assassinado seu filho e outros. Ela se opôs fortemente à transformação do assassino de seu filho em um ícone para excitar o público por um momento ou dois, antes de passar para sua próxima preocupação ou diversão, igualmente momentânea.Não há nada intrinsecamente errado em pintar um assassino, mesmo um tão depravado quanto Hindley. Mas havia, sem dúvida, algo profundamente desagradável sobre a exibição pública da pintura nesta exposição. O próprio título da exposição como um todo sugeria excitação ou voyeurismo; e é assim que o catálogo descreve o trabalho de Marcus Harvey, duas das quais outras pinturas, ambas de mulheres nuas, também foram exibidas, uma delas com o título leeringly, Dudley, como o que você vê? Então me chame: “Marcus Harvey faz pinturas inquietantes e cheias de tensão que simultaneamente contêm e excedem suas imagens lascivas. Através da sobreposição de nus femininos pornográficos em um terreno descontroladamente expressionista, a forma e o conteúdo resistem e se cumprem inquietos.”O que uma mãe da classe trabalhadora de Manchester, que teve seu filho expressionisticamente, salaciosamente e pornograficamente assassinado, deveria fazer disso?

perguntei ao chefe de Exposições da Royal Academy, Norman Rosenthal. Um homem muito insultado por alguns acadêmicos (alguns dos quais renunciaram à academia por causa da exposição), ele é claramente muito bom em seu trabalho. Um tanto sujo e sujo, ele tem a capacidade carismática de antagonizar a 100 jardas; e quando ele fala-centenas de palavras ao minuto—sente-se que está ouvindo Mefistófeles.

“toda arte é moral”, disse. “Qualquer coisa que seja imoral não é arte.”

não existe tal coisa, escreveu Oscar Wilde, como um livro moral ou imoral. Os livros são bem escritos ou mal escritos. Presumivelmente, então, Mein Kampf teria ficado bem se tivesse sido melhor escrito.

“a imagem levanta questões interessantes”, continuou Rosenthal.

“que perguntas interessantes isso levanta?”Eu perguntei. “Porque deve ser possível formulá-los em palavras.”

“isso levanta uma questão, por exemplo, sobre a exploração de crianças em nossa sociedade”, disse Rosenthal.

“alguns podem dizer que o uso da palma da mão de uma criança para produzir uma imagem de um assassino de crianças, quando a criança não podia apreciar o significado do uso para o qual sua palma estava sendo colocada, era em si uma forma de exploração”, respondi.

“nesse caso, é muito menor em comparação com o que acontece no resto da sociedade.”

“mas por que devemos julgar tudo pelo padrão mais baixo possível?”Eu perguntei.

Rosenthal simplesmente não conseguia ver o que as mães estavam se opondo. Parece que uma vida passada no cultivo das artes plásticas pode dessecar um homem a ponto de ter pouca simpatia por pessoas cuja existência está em um plano menos rarefeito.

a imagem de Hindley estava longe de ser a única obra de arte na exposição a despertar comentários. De fato, na entrada da exposição, um aviso proclamou: “há obras de arte em exibição . . . que algumas pessoas podem achar desagradável. Os pais devem exercer seu julgamento ao trazer seus filhos para a exposição. Uma galeria não estará aberta para menores de 18 anos.”A Academia tinha, de fato, mantido um advogado eminente para aconselhar sobre quais obras reter do olhar lascivo da juventude-mais do medo de acusação, sem dúvida, do que do medo de corromper os jovens. No evento, uma visita do vice-esquadrão da Polícia Metropolitana de Londres passou sem contratempos: os meninos de azul não encontraram nada a se opor nas galerias recém-reformadas e partiram sem prender ninguém.

de fato, a escolha do advogado eminente de obras para separar dos jovens era altamente idiossincrática. Um entrou na galeria somente para adultos por meio de um arranjo de tela como aqueles em todas as livrarias adultas em todas as áreas urbanas decadentes da Inglaterra. O principal trabalho proscrito foi uma escultura de fibra de vidro de várias meninas siameses, algumas com ânus para bocas e pênis semi-perfeitos para narizes, todos nus, exceto tênis em seus pés, intitulado aceleração zigótica, biogenética, modelo libidinal de-Sublimado. Eu podia entender por que o advogado da academia achava que as crianças não deveriam vê-lo.

mas na parede também estava uma pintura totalmente inócua—de fato, vazia—de um jovem reclinado em seu quarto, ouvindo seu Walkman. Tente Como eu poderia, eu poderia pensar em nenhuma razão (além de estética) que as crianças devem ser impedidas de vê-lo. A única explicação que eu poderia pensar para esse estranho sequestro tanto do pornográfico quanto do inócuo foi que o advogado estava tentando subverter a própria ideia de proteger as crianças da pornografia, fazendo com que parecesse ridículo: o que, em certo sentido, era, uma vez que qualquer criança poderia ter comprado o catálogo, com suas fotos sem obscenidade-poupadas de todas as exposições.

em qualquer caso, a parte do show aberta a crianças de todas as idades continha exposições muito mais perturbadoras. Mas para a nova crítica de arte, “perturbador” é um termo automático de aprovação. “Sempre foi tarefa dos artistas conquistar um território tabu”, escreve Norman Rosenthal em seu ensaio grosseiramente falso, ambiguamente intitulado” O sangue deve continuar a fluir”, que apresenta o catálogo. Seria difícil formular um resumo menos verdadeiro e mais intencionalmente distorcido da história da arte, do qual uma pequena parte—e de modo algum a mais gloriosa—é confundida com o todo, para que o injustificável seja justificado.

“os artistas devem continuar a conquista de novos territórios e novos tabus”, continua Rosenthal, em clima prescritivista. Ele não admite outro propósito da arte: quebrar tabus não é, portanto, uma função possível da arte, mas sua única função. Não é de admirar, então, que se toda arte é a quebra de tabus, toda quebra de tabus logo passa a ser considerada arte.É claro que ele realmente não quer dizer o que diz; mas então, para intelectuais como ele, as palavras não devem expressar proposições ou verdade, mas distinguir o escritor socialmente do rebanho comum, artisticamente não esclarecido e não sofisticado para defender o abandono de todas as restrições e padrões. É improvável, no entanto, que até Rosenthal encontre, digamos, um vídeo de jovens hooligans estuprando sua irmã (para invocar Oscar Wilde novamente) para ser apenas a conquista de um novo território e tabu. Assim, embora ele possa não significar realmente o que diz, sua promoção dessa ideia na exposição atual retornará para assombrá-lo não apenas, mas o resto da sociedade. Por que só os artistas deveriam ter permissão para quebrar tabus? Porque não o resto de nós? Um tabu só existe se for um tabu para todos: e o que é quebrado simbolicamente na arte logo será quebrado na realidade.Que a vida civilizada não pode ser vivida sem tabus – que alguns deles podem de fato ser justificados, e que, portanto, o tabu não é em si mesmo um mal a ser vencido—é um pensamento muito sutil para os estetas do niilismo. Quão irônico que um alto funcionário da Academia Real deveria ter defendido essa doutrina destrutiva, quando o primeiro presidente da academia, um homem maior e melhor de longe, escreveu em seu sétimo discurso sobre arte: “Um homem que pensa que está se protegendo contra os preconceitos, resistindo à autoridade dos outros, deixa aberto todo caminho para a singularidade, vaidade, presunção, obstinação e muitos outros vícios, todos tendendo a deformar o julgamento. Como Sir Joshua também apontou – em prosa urbana, espirituosa e civilizada, de uma espécie impossível de imaginar Norman Rosenthal escrevendo—o homem inteligente e sábio examina seus preconceitos, não para rejeitá-los todos porque são preconceitos, mas para ver o que deve ser mantido e o que não.

fiquei menos surpreso com a exposição principal do que muitos porque sua atmosfera era estranhamente familiar para mim. Ele me transportou de volta aos meus dias como estudante de medicina: para a sala de dissecção, o Museu de patologia e o necrotério. Pois havia cadáveres esfolados em exibição, animais fatiados em formalina, uma fotografia em close de um ferimento de bala no couro cabeludo e até mesmo um trabalho chamado Dead Dad, um modelo em escala reduzida, mas hiper-realista, em silicone e acrílico de um cadáver nu. À medida que os visitantes não médicos da exposição caminhavam, lembrei-me dos meus dias de estudante, quando meus amigos não médicos-estudantes passavam por meus textos de patologia em horror fascinado, virando as páginas meio com medo e metade na esperança de encontrar algo pior overleaf.Ouvi o escultor do pai morto dar uma entrevista a uma estação de televisão Europeia, enquanto ele agachado pelo cadáver encolhido de sua própria criação, um enorme avanço técnico sobre os headshrinkers da Nova Guiné. “Nada nesta exposição ofende minha sensibilidade”, disse ele, em um tom de evidente auto-satisfação. O que ele omitiu mencionar, é claro, foi que a sofisticação moderna exige uma sensibilidade de que nada pode ofender ou mesmo surpreender, que é ironclad contra choque ou objeção moral. Ser um homem de gosto artístico agora exige que você não tenha padrões a serem violados: o que, como Ortega y Gasset disse, é o começo da barbárie.

perguntei ao escultor se o pai morto era seu próprio pai e, claro, era. Ele claramente considerava a escultura como uma obra de piedade filial, mas foi precisamente sua sinceridade ao fazê-lo que me chocou. Se ele dissesse que havia feito sua escultura para se vingar de seu pai, que o levou a uma vida terrível em sua infância, e que o abusou física e sexualmente quando ele tinha seis anos, seus motivos para produzi-la teriam pelo menos sido claros. Quando o respeito, o ódio, o amor, a aversão e o desprezo podem invocar o mesmo produto artístico, então nossa sensibilidade, nosso poder de discriminação, foi corroída da existência. Quando a piedade filial exibe o cadáver despido de um pai, até os últimos pelos púbicos, até o olhar ocioso de centenas de milhares de estranhos, então honrar o pai e a mãe torna-se indistinguível de desonrá-los.

uma grosseria intelectualizada é a marca registrada da exposição, pois é da mais moderna cultura britânica. Os títulos de muitas das exposições exibem isso. Damien Hirst-Ele das vacas fatiadas e porcos, as ovelhas engarrafadas e tubarões—é um pintor, bem como um engarrafador de animais mortos. Ele intitula uma de suas duas pinturas na exposição beautiful, kiss my fucking ass painting. Uma tela de Gary Hume leva o título implorando por ela, onde, é claro, pode significar apenas uma coisa. Sarah Lucas chama sua exposição Sod You Gits. Uma pintura de Chris Ofili, um artista De Extração nigeriana nascido na Inglaterra, é intitulada Spaceshit. De acordo com o breve relato de sua vida no catálogo, “foi no Zimbábue que Ofili experientes que alguns podem chamar de `um momento de clareza’atingiu os limites de suas pinturas, e em um esforço para a terra-los fisicamente em um culturais, bem como paisagem natural, ele chegou à ideia de furar elefante merda-los.”Foi evidentemente um sucesso comercial. “Logo depois, em 1993, Ofili realizou duas ‘vendas de merda’, uma em Berlim e outra em . . . Londres, exibindo várias bolas de merda de elefante no contexto do mercado.”As notas preparado pela academia para professores que querem trazer seus alunos para a exposição sugerem que o professor discuta com os alunos como um tutor, podem reagir a deterioração do esterco de Ofili imagens, apesar de uma resposta é sugerida pela informação de que, onde ele uma vez utilizado apenas free-range elefante excrementos de mato Africano, comparativamente difícil acesso, agora ele usa a variedade cultivada do Zoológico de Londres.

uma obra de Peter Davies chamada pintura de texto consiste em 61/2 por 7 pés de letras multicoloridas infantis( não Unidas), de cujo texto indescritivelmente desprezível o seguinte é apenas uma seleção: “arte que eu gosto é . . . Bruce Nash e todas essas coisas masculinas brancas agressivas, Mike Kolley ele faz tudo tão trashy, mas nós amamos isso . . . Picasso ele fez o que quisesse . . . Lily Van der Stoker Mutha Fucka . . . Antony Caro agora ele realmente é um badass malvado M. F. S. O. B., Velasquez ele é Versace para os amantes da arte . . . Matisse ele não teve nenhum problema com algum filho da puta dizendo-lhe que seu trabalho parecia decorativo . . . Charles Ray como um pirralho estragado com suas bonecas gigantes + caminhões . . .” etc. etc., ad nauseam.

lixo, violência e Versace: um resumo justo da estética da exposição.

a grosseria percorre não apenas os títulos ou mesmo o assunto das exposições, mas todos os aspectos do show. Mesmo as fotografias dos artistas no catálogo os retratam como membros da subclasse. Damien Hirst, por exemplo, tem o cuidado de se apresentar como indistinguível na aparência do hooligan médio do futebol britânico. A pura necessidade financeira não pode explicar isso, já que muitos dos artistas são agora extremamente ricos. Eles parecem sujos e desgrenhados porque querem, porque lhes parece virtuoso fazê-lo.

diz—se que os artistas demonstram interesse, na verdade um fascínio pelo punk e pelo grunge-a adoção deliberada de feiúra e mau gosto que caracteriza a cultura popular britânica. Não há nada de errado com um interesse artístico na grosseria demótica e na parte inferior da vida comum, é claro: esta é, afinal, a terra de Hogarth e Rowlandson. Mas esses grandes artistas permaneceram Distantes dos fenômenos que estavam retratando e os criticaram, mesmo que rissem deles. Eles combinaram comentários sociais com humor e graça estética. Eles tinham um ponto de vista estético e moral (sem o qual a sátira é impossível) e teriam deplorado o profundo niilismo estético e moral da exposição atual. Eles teriam ficado intrigados e chocados com a equação automática da moralidade com estreiteza e intolerância, tão evidente no ensaio de Norman Rosenthal. E quando Hogarth e Rowlandson retrataram o feio, como faziam com frequência, o fizeram em comparação com um padrão implícito de beleza, incorporado na própria elegância de sua execução.

os artistas de “Sensation”, no entanto, não expressaram tanto interesse em punk e grunge como se renderam a eles. Com o Satanás de Milton, eles exclamaram: “mal, sê meu bem” ; e eles acrescentaram: “feiúra, sê minha beleza.”

eles não estão sozinhos nisso, é claro. A rendição em todas as frentes é a ordem do dia. Recentemente, o Midland Bank anunciou que estava retirando seu subsídio de US $ 1,6 milhão da Royal Opera House, Covent Garden, porque era uma instituição elitista; em vez disso, para provar que era um banco democrático e atencioso, usaria o dinheiro para financiar um festival de música pop, que a maioria de seus clientes acharia “mais sexy.”A rendição cultural do melhor para o pior vai cada vez mais longe. Recentemente, também, O Lancet, uma das duas mais importantes revistas médicas, realizada uma breve entrevista com o Professor Sir Raymond Hoffenberg, ex-presidente do Royal College of Physicians (em existência desde o reinado de Henrique VIII). Ele foi convidado para sua palavra favorita-em si uma pergunta fútil, digna de uma entrevista de revista feminina com uma estrela de novela-e ele respondeu: “arsehole.”Algum presidente daquela instituição de agosto orgulhosamente teria usado tal palavra em público até os últimos anos?

o que explica este extraordinário, e muito rápido, engrossamento da cultura britânica, da qual a exposição “Sensation” é um exemplo tão marcante?

o engrossamento é internacional, infelizmente: Damien Hirst é comemorado onde quer que as pessoas tenham dezenas de milhares para gastar em animais fatiados e engarrafados. A mesma meretricidade, a mesma supervalorização do mesmo sensacionalismo, governa em todos os lugares. A presunção romântica de que a originalidade é uma virtude artística em si mesma é aceita acriticamente em todos os lugares: é por isso que um artista chamado Marc Quinn, um graduado de Cambridge, pode ser elogiado por retirar oito litros de seu próprio sangue ao longo de vários meses, congelando e armazenando-o e, em seguida, usando-o para esculpir um auto-retrato permanentemente refrigerado. É bom e vale a pena porque ninguém nunca fez tal coisa antes. Quando Damien Hirst foi taxado com o fato de que alguém poderia engarrafar uma ovelha em formalina, ele respondeu: “mas ninguém fez isso antes, não foi?”E se a originalidade requer grosseria, então que assim seja.O homem autêntico, na concepção romântica, é aquele que se libertou de toda convenção, que não reconhece nenhuma restrição ao livre exercício de sua vontade. Isso se aplica tanto à moral quanto à estética: e o gênio artístico se torna sinônimo de desobediência. Mas um ser tão dependente de sua herança cultural como o homem não pode escapar da Convenção tão facilmente: e o desejo de fazê-lo tornou-se um clichê. Assim, apesar de toda a sua crueza e grosseria, a “sensação” é profundamente convencional, mas obedece a uma convenção perversa e socialmente destrutiva.

a crueza da qual me queixo resulta da combinação venenosa de uma admiração ideologicamente inspirada (e, portanto, insincera) por tudo o que é demótico, por um lado, e esnobismo intelectual, por outro. Em uma era Democrática, vox populi, vox dei: a multidão não pode fazer nada de errado; e sugerir que há ou deve haver atividade cultural da qual um grande número de pessoas pode ser excluído em virtude de sua falta de cultivo mental é considerado elitista e, por definição, repreensível. A grosseria é o tributo que os intelectuais prestam, se não exatamente ao proletariado, então à sua própria ideia esquemática, imprecisa e condescendente do proletariado. Os intelectuais provam a pureza de seu sentimento Político pela falsidade de suas produções.Quanto ao esnobismo, o intelectual se eleva acima das pessoas comuns—que ainda se apegam quixoticamente aos padrões, preconceitos e tabus—por sua rejeição completa deles. Ao contrário de outros, ele não é prisioneiro de sua educação e herança cultural; e assim ele prova a liberdade de seu Espírito pela amoralidade de suas concepções.Não é de surpreender que os artistas nesta atmosfera mental se sintam obrigados a habitar apenas sobre o visualmente revoltante: de que outra forma, em um mundo de violência, injustiça e miséria, alguém prova a bona fides Democrática do que se debruçar sobre os violentos, os injustos e os esquálidos? Qualquer retorno ao convencionalmente belo seria uma evasão elitista e, portanto,: Vamos zombar do grande que tinha tais fardos na mente e trabalhou tão duro e tarde para deixar algum monumento para trás, nem pensou no vento nivelador.

Entre os grandes, é claro, foi Sir Joshua Reynolds, presidente da Royal Academy, amigo e confidente de Edmund Burke, de Oliver Goldsmith, de Edward Gibbon, de David Garrick, de James Boswell (que dedicou sua Vida a Johnson para ele), e do Médico próprio Johnson, que disse de Reynolds que ele era “o homem com quem se deve brigar, você deve encontrar a maior dificuldade como o abuso.”O que ele teria feito desses jovens artistas que, inter alia, abusaram da própria Academia Real na linguagem mais grosseira e vulgar, esses jovens bárbaros que pensam que a arte, como a relação sexual do famoso poema de Larkin, começou em 1963? No primeiro discurso (e com que alívio se volta para sua maneira elegante de se expressar sem a ajuda de um único palavrão, como se toma banho após a imersão na sujeira) Reynolds escreveu: “Mas os jovens têm não apenas essa ambição frívola de serem considerados mestres da execução, incitando-os, por um lado, mas também sua preguiça natural, tentando-os, por outro. Eles estão aterrorizados com a perspectiva diante deles, do trabalho necessário para atingir a exatidão. A impetuosidade da juventude é enojada com as aproximações lentas de um cerco regular, e deseja, da mera impaciência do trabalho, tomar a cidadela pela tempestade. Eles desejam encontrar algum caminho mais curto para a excelência e esperam obter a recompensa da eminência por outros meios, além daqueles que as regras indispensáveis da arte prescreveram.”

Sim; mas que tipo de cultura é que confere a recompensa da eminência àqueles que usam a auto-propaganda e a vulgaridade, mera sensação, como seus meios para obtê-la?

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